大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于国外古典钢琴音乐市场的问题，于是小编就整理了3个相关介绍国外古典钢琴音乐市场的解答，让我们一起看看吧。
钢琴是外国的。
1、钢琴（意大利语：pianoforte）是西洋古典音乐中的一种键盘乐器，有“乐器之王”的美称。由88个琴键（52个白键，36个黑键）和金属弦音板组成。意大利人巴托罗密欧·克里斯多佛利（Bartolomeo Christofori），1655-1731）在1709年发明了钢琴。
2、钢琴音域范围从A0（27.5Hz）至 C8（4186Hz），几乎囊括了乐音体系中的全部乐音，是除了管风琴以外音域最广的乐器。钢琴普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出。
3、钢琴首次出现于1709年，在当时是一种既复杂又昂贵的乐器，只有皇室和贵族才有机会接触到。一开始，Johann Sebastian Bach（约翰·塞巴斯蒂安·巴赫）等一些非常有声望的音乐家们并不欣赏钢琴的音色。但仅仅过了半个世纪，钢琴就变得越来越受欢迎。当Mozart（莫扎特）、Brahms（勃拉姆斯）和Liszt（李斯特）这些极具创造力的音乐家投入钢琴的怀抱之后，热情便瞬时被引爆。在当时那个年代，这些新锐钢琴家就如同“摇滚巨星”一般，他们所带来的巨大影响力可谓给音乐创作锦上添花，为钢琴的发展注入了强大的力量。皇室和贵族纷纷把钢琴这一乐器纳入他们的乐队中，民众可以围坐在钢琴四周，聆听最新创作的优美旋律。工业时代的兴起衍生出一个新的社会阶层——中产阶级，钢琴在这一群体中大为流行。其中三角钢琴是社会地位的象征，通常用在与正式的独奏演出或与乐团的协奏里，而立式钢琴则更受家庭的欢迎。
敢于同大主教决裂的莫扎特,带着上天所赐予的对音乐的天赋，从年幼的他到青年的他，不仅在歌剧方面卓有贡献，并且在器乐创作上也卓有成绩。至于贝多芬，他纯粹是一位器乐作曲家，他以革命中的英雄作为作品的主人公，在他的作品中融入了大量的自我的情绪，可以说他是一个懂得的将自己情感贴用音乐的形式表达出来的，让众人了解到一个大家的内心世界的人的，同时它也将自己的音乐化作了一只淬火的剑，因此他也被称为革命的古典作曲家。
古典主义的规范化确立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响曲等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式。古典风格作品中节奏与配器色彩灵活善变，而不是整乐章划一不变；古典作品中所有声部、甚至于演奏的力度，都由作曲家亲自写出和标明，而不是留给演奏者演奏时即兴处理。至于感情的表达，古典作品由于理性精神的影响，往往比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉——从这方面着眼，巴罗克风格全然不同于古典主义，它反而更接近于后来的浪漫主义的精神。
西方古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，而在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见。
霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。”
在欧洲艺术史上有两个重要的时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年；另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。
文库十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。
古典音乐有狭义和广义之分，不过狭义的范围太小了，所以就从广义的古典音乐历史来看吧。西方古典音乐历史我只研究了150年左右，从1650年到1900年。在这150年间，基本可以分为3个阶段。
第一阶段：巴洛克时期的宗教音乐
这个时期，欧洲经历了文艺复兴之后，各类艺术开始兴起，音乐作品开始得到丰富，但由于受到音乐设备、器具的限制，多数人是很难听到音乐的。所以，此时的音乐多属于宗教系列，一般都是西方人在做礼拜、参加宗教活动的时候，才能有空听一听音乐。而此时的音乐，自然而然，一般是赞颂、讴歌宗教或基督的，此时最著名的音乐就是三大神剧，《弥赛亚》、《创世纪》、《伊利亚》，这三部作品我都听过，用一句流行语：真的是神一般的存在。听的时候真的能感受到耶稣基督的光辉。
第二阶段，维也纳古典音乐时期
此时，我们最熟悉的三位音乐家出现了，海顿、莫扎特、贝多芬，他们是开创了古典音乐并将其推动到了最顶峰，他们三个人的作品基本上涵盖了维也纳古典音乐里最优美、经典的作品，我们现在能听到的“狭义的古典音乐”，基本都是他们三个的。
第三阶段，浪漫主义音乐时期
此时，出现了很多优秀的音乐家，不是一个两个，而是一大批，比如韦伯、比才、舒曼、柏辽兹等等，一方面是社会更加开放、经济发展后人们物质生活变的丰富，精神追求也更加多元，所以音乐流派、作品等也层出不穷。另一方面，前两个时期流传下的音乐虽然经典，但后期的音乐家肯定会不然的进行创新。虽然后期很少出现像莫扎特那般天才绝顶的音乐家，但也出现了一批极具音乐天赋的人，也正是他们，推动了西方古典音乐向浪漫主义阶段演变。
基本上，第三阶段结束，也就到了1900年，二十世纪前后了。此时，随着第二次工业革命（电汽革命）的发生，电子设备开始进入音乐领域，西方古典音乐也发展到了电子音乐的新时期，这也可以归为是古典音乐的新发展，也可以归为是近代或现代音乐。但无论如何，西方古典音乐，余音绕梁，经典不朽。我是千城，梦想读完1000本书，走过1000座城
欧洲历史上，意大利文艺复兴约在公元十一世纪左右，既然是复兴，那么一定曾经拥有过过去的“艺术”时代，那个曾经艺术文明时代就是古罗马帝国时代。
人类社会在音乐历史发展中，好像一驾马车在一条“非常漫长岁月的道路”上缓缓行进着，西方人发出的声音和他们的“音乐”，按照今天的想象是停留在原始的“嚎叫”或者“呻吟”之中。😄而我们中国在公元十一世纪时候，在音韵音律上已经创造了非常动听的“五声音阶”了。
文艺复兴之路上，宗教教徒们在祷告中涌经的声音是欧洲古典音乐发展的初始，远古时代的乐器也是在这个时候开始了改良和变化。这样慢慢的变化又持续了二百多年，到了十三中叶，世界上第一架古钢琴诞生了！就在这几百年历史进展中，西方音乐在器材雏形基础上有了非常大的改进，到了十五世纪末我们今天看到的西方交响乐队形式已经基本定位了。
“七音”音阶(半音阶)音乐理论的发明者和奠基者是德国音乐家巴赫，是他把钢琴“十二平均音律”发现后于理论上的确立，如此让后人们在探究音乐中音程之间的互相关系作用上有了理论依据。文艺复兴时期，意大利的歌剧发展和欧洲其他国家之间在音乐发展上始终互相影响，成熟时期在十五世纪，德国音乐家亨德尔是意大利歌剧音乐发展的奠基人，历史上被称作“巴洛克”时代，一切和“艺术”有关的创造都集中在这个时期，主要的二个部分是“雕塑”艺术与“音乐”艺术为二大艺术代表。
古典音乐的发展是以古钢琴，管风琴为主要器乐，弦乐是以大小提琴为主要，管乐以吹一类的为主要。古典音乐的发展是从教堂开始走进宫廷，又从宫廷中走向舞台的这么一段历史。
18世纪中叶，西方音乐开始由巴洛克时期转向古典时期。在这两个时期的交替转化中，钢琴艺术史上经历了一个审美趣味转变、键盘乐器更迭、作品曲式创新和演奏实践改变的过渡阶段，直至18世纪70年代才最后确立了古典主义。过渡时期钢琴音乐风格的演变体现了那个时代人们艺术趣味和审美理想的转变。
18世纪后半叶的欧洲，思想上和政治上发生了巨大的变化。在法国启蒙运动的影响下，艺术作品的题材冲破宗教、历史、宫廷的局限，去表现日常生活事件和普通人的感情，并且艺术表现手法更通俗易懂。
在音乐风格上，人们普遍反对过于严肃复杂和宏大深奥的巴洛克复调音乐，刻意追求轻松、愉悦、精致、敏感的主调音乐。因此，钢琴音乐风格上的演奏首先表现在从多声部的复调对位形式转入以旋律为主的主调和声形式。
这一时期的钢琴音乐已经从以往不分主次的几条旋律线纠结在一起的复调织体，改变为以一条旋律线为主，其他声部作为陪衬的主调织体。
作曲家们认识到，钢琴不仅要塑造自然界中的音响形象，也要模仿歌剧中任务的歌唱和说话，特别是模仿表现普通人情感的歌唱和说话。所以，在这一时期钢琴的旋律和音调更具有歌唱性和宣叙性的特点。
在演奏实践方面，巴洛克时代传统的即兴演奏相对减少，逐步让位给照谱演奏的方式。作曲家不仅较完整的记录下所有的音符，而且对于速度、力度、连断奏法以及装饰音也给予了一定的标注，使演奏者在音乐表现上更为细致明确。
这一时期的另一个重要进展是演奏理论体系的建立：“情绪学”理论认为演奏音乐的目的在于模仿人的各种情绪，从而唤起听众相应的情绪(即情感共鸣)，而不是单纯的炫技或娱乐;“音乐修辞学”理论认为某种类型的情绪必定要通过某种特定的旋律、和声、节奏等典型乐汇去表现，大调和小调分别代表不同的情绪，各个调性都有齐规定的表情意义，不同大小的音程亦代表不同的情绪，协和音程代表安宁、不协和音程代表不安等。
这些美学原则统治了这一时期几乎所有的钢琴作曲家，甚至对后来维也纳古典乐派的海顿、莫扎特的创作及演奏风格都带来相当大的影响。所幸他们的天才并没有受到这种框框的束缚，固有的音乐创作个性依然得到自由展现。
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音乐界“古典主义”一词有两种含义。一种是普遍认为流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐。而真正的“古典主义”的是指大约1750年——1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。
18世纪的欧洲爆发了启蒙思想运动, 受此影响，人们追求“平等、自由、博爱”，崇尚自然、淳朴，反对封建传统思想和宗教的束缚, 提倡思想自由和个性发展，涌现出了许多音乐大师以及有代表性的作品，如莫扎特的《魔笛》、贝多芬的第九交响曲等。
古典主义时期的音乐，在音乐历史上占有非常重要的位置，它是主调音乐的最基本的形式和传统和声学的最初模式（和声走向以“主——下属——属——主”的方向进行伴奏, 非常规整, 很少使用和弦外音。和声的进行和走向也非常清晰），其音乐作品结构方正，（基本是“4 + 4”的乐句结构。即四小节为一句, 第二乐句是同样四小节的平行乐句, 八小节为一个乐段），传承了巴洛克时期的主调音乐，又结束了不规则、多旋律、复调的音乐形式。同时，预示了对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来充满幻想的浪漫主义音乐形式。
钢琴在古典主义时期的特点
一、音乐作品对速度的严格要求
古典钢琴音乐为了体现自然平衡的原则及均衡方整的结构, 对乐曲的速度要求非常严格，除华彩乐段速度可以自由发挥外，其它乐段速度都明确标注，对更改、转换速度都会在作品中清楚的注明。如贝多芬第十七奏鸣曲中速度转换
二、音乐作品力度上的强弱对比
古典钢琴音乐都注重“对比原则”，尤其在音量上的对比非常明显，每首作品都严格的规定了力度要求，从最弱ppp到最强fff，以及突强sf、渐强、渐弱等，在乐曲中运用很普遍，使得乐曲变得异常地生动，丰满。如贝多芬第十一奏鸣曲
三、以身体配合手臂的弹奏方法
古典时期的钢琴弹奏，改变了巴洛克时期仅用手指的弹奏方法，基本形成了以身体协调手臂而进行的弹奏方法。
而此前巴洛克时期巴赫的触键——弗尔凯尔曾记载: “巴赫的运指方法几乎是漫不经心地轻微动作, 无论怎样难弹的经过句都是用那种自然的手型, 手不离开键盘, 只用第一关节来弹动, 即使弹奏颤音, 也只是一个手指的颤动, 而且他的手指不过是随着微微抖动而已。身体的其他部分是完全不动的。”也是由于钢琴制造业的发展, 槌子琴的出现，要想声音宏大, 仅靠手指是弹不出来声音的, 必须用全身的配合动作才行。 如海顿的奏鸣曲, 贝多芬第七奏鸣曲等。这种弹奏方法正是浪漫主义的最初阶段，到了浪漫主义时期，这种弹奏方法才得以更加完善。
古典主义钢琴音乐在弹奏时非常严谨，不可任意发挥，即便是装饰音，也不能随意加或者减，并且在速度、强弱等方面都不便随意弹奏，这就是古典主义音乐意义所在。
古典主义时期钢琴音乐是“理智和情感的高度统一; 深刻的思想内容与完美的艺术形式的高度统一。”在创作技法上, 继承和发展了传统的复调音乐的成就, 并确立了奏鸣曲曲式的结构形式（
在乐队领域，该时期还完善了室内乐、协奏曲、交响曲等的结构形式）。使钢琴的弹奏方法进一步发扬光大，创作了钢琴音乐艺术史上最光辉的一页。
时代造就音乐家。不同的时代会产生不同的音乐作品内容，也将造就不同的作曲家。这就要求我们在弹奏不同的钢琴作品时，首先对其作品的背景和时期有所了解，才能更准确地弹奏出符合那个时代的作品内容。
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到此，以上就是小编对于国外古典钢琴音乐市场的问题就介绍到这了，希望介绍关于国外古典钢琴音乐市场的3点解答对大家有用。
